Witold Gombrowicz en Sala Réplika

Este fin de semana se estrenó en la Sala Réplika de Madrid la obra El casamiento del dramaturgo polaco Witold Gombrowick.

El Casamiento de Witold Gombrowicz

Puesta en escena, versión e iluminación: Jaroslaw Bielski

Aspectos estéticos: Elizabeth Wittlin Lipton

Espacio sonoro: Chema Pérez

Producción ejecutiva: Socorro Anadón

Diseño del cartel: Jaime Nieto

Comunicación: Mikolaj Bielski

Compañía: Réplika Teatro

Reparto: Raúl Chacón, Socorro Anadón, Manuel Tiedra, Juan Erro, Eeva Karoliina

Me gustaría dar la enhorabuena y el agradecimiento a Jaroslaw Bielski y su grupo de actores y técnicos por acercarnos el teatro polaco al corazón de Madrid. Crucifijos, novias, militares de la Segunda Guerra Mundial y un lenguaje diferente, serio y juguetón, expresivo por encima de la lógica, chocan con el público español y su tradición. Sin embargo, a ese mismo público algo ayuda el ver "coronas" improvisadas en las cabezas de los actores protagonistas que se creen reyes, o juegan a serlo, igual que hiciera nuestro querido Don Quijote con una "bacía de barbero" para adquirir la presencia del caballero andante. También ayuda a la seducción del público español la risa de algunos momentos y la soledad sonora de otros. ¿Solos dónde? ¿Es posible estar solo con un vosotros delante? La obra pregunta, interroga, mueve a reflexionar sobre ese individualismo que niega a los demás, que manipula a los demás, en defensa de una soledad y una autoconstrucción que es más destructora de lo que podamos llegar a pensar. Y esto es una deriva más del consumismo del cual el público español sabe tanto como el polaco. En efecto, quizá los públicos polaco y español comparten, además de la experiencia de la "tragicomedia" de ciertos personajes, este individualismo temeroso y temerario del siglo XXI.

Un personaje protagonista que duda de sí mismo y se interroga constantemente (¿Cuál es el alcance de mis palabras? ¿Mi alcance?) vuelve a sus orígenes o queda encerrado en ellos (¿Quién pues volvió a qué?). Se considera asimismo un sumo sacerdore, no solo de su propio casamiento, sino de la palabra y el lenguaje, el cual, dicho sea de paso, se muestra como el gran artificio que puede transformar, en su juego de luces y sombras, al tonto en sabio y a lo indigno en digno.

Todo buen juego (clásico o posmoderno) esconde reglas y temores, locuras y sueños de los que, sin duda, la obra nos habla. Ninguna responsabilidad asume este personaje que no sabe ni quién es ni a dónde vuelve y que, no obstante, debe afrontar la muerte como algo realmente real (a pesar de ser incapaz de dar normalmente un beso, como le reclama su madre, extraordinariamente representada por Socorro Anadón, al abandonarle al final de la escena).

Viernes 20h y Sábados 21h. Hasta el 19 de marzo.

Romper la frontalidad decimonónica

Áureo - Compañía Dantzaz

El pasado sábado 17 de octubre, vimos en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián no solo una propuesta artística, sino formativa. Un grupo de doce muchachos y muchachas eran sometidos a la prueba de trabajar con cinco coreográfos diferentes. Su obra llevaba el título de "Áureo", que se justificaba por lo elevado del experimento.

Aunque hubo mucho clásico, una de las propuestas hizo que el escenario decimonónico del María Eugenia se viera sumamente trastocado. Desde el comienzo de la obra entrábamos y veíamos en el vestíbulo del teatro, en las entradas al palco y en las escaleras centrales para acceder a ellos, danzarines moviéndose de manera espásmodica, entre la normalidad y la pérdida de la gravedad y consistencia. Una presencia sonora, responsabilidad de Mikel R. Nieto, acompañaba estos movimientos y los nuestros, pues incluso si nos dirigíamos al baño podía escucharse desde allí. ¡Hasta los televisores de seguridad estaban tomados! Se trataba de la coreografía transversal, "El jugo", de Jone San Martín.

Las distintas propuestas coreográficas se sucedieron y al final los muchachos nos soprendieron con un cambio de vestuario en escena. A ello siguió un final desconcertante... ¿acababa o no acababa? El público no sabía qué hacer: los más educados no pueden irse mientras haya un bailarín en la escena que merece su respeto y aplauso, otros aplican una situación ya vivida en el cine (marcharse mientras suena todavía la banda sonora de la película) pero muchos quedan de pie... indecisos... a medio sentarse. En efecto, la obra vuelve a romper la frontalidad: fuera se escucha una especie de sirenas, dentro una música para danzar en solitario. Un desconcierto que no era gratuito. Un "áureo" final.

Terriorios Teatrales Transitables y... más radio

Encuentro internacional sobre teoría y práctica de las artes escénicas

24 septiembre - 3 octubre 2015

Dirigido por Gregorio Amicuzi

En ocasión de su 15º aniversario, la cía Residui Teatro organiza en Madrid el TTT- Territorios Teatrales Transitables, un encuentro internacional que pretende reflexionar sobre los caminos posibles del teatro, la poética y la trasformación que las artes escénicas conllevan a nivel personal, social y político.

El TTT será un lugar de encuentro entre maestros y maestras de todo el mundo que han provocado fuertes transformaciones en sus contextos de procedencia y en algunos casos han determinado nuevas perspectivas artísticas a nivel internacional. Abre el encuentro Eugenio Barba, director de la compañía Odin Teatret(Dinamarca). Entre los artistas.

El TTT quiere ser un lugar de encuentro entre jóvenes, que se dedican a las artes escénicas y los maestros, que se ocupan de transmitir la sabiduría. Los maestros invitados proceden de distintos contextos culturales, cada uno, según su ámbito de acción, se ocupa de transmitir al joven experiencia y tradición para que este la asuma y a lo largo del tiempo la enriquezca y, a su vez, la transmita.

El TTT se inaugura el día 24 de septiembre a las 10,00 en la sala A de la RESAD de Madrid.

Además... arranca una nueva temporada de Radio Arrebato.

Teatro KTO de Cracovia

Coro de Huérfanos - Teatro KTO / Chór Sierot - Teatr KTO

Humo y naranjas. El espectáculo sabe y suena. Casi se puede tocar, si no fuera por lo espeluznante de algunas cosas allí cantadas, que comprimen y retraen tacto y aliento. Coro de huérfanos es una representación, sin palabras, pero con todo el movimiento y ruido de la vida en un orfanato, desde la llegada a él de un grupo de niños y niñas hasta su posible muerte en él o su abandono. Vemos las relaciones entre los huérfanos, entre la diversión y la maldad; y las relaciones con las dos mujeres encargadas de la disciplina y la educación en el mismo, entre el abuso sexual y el maltrato físico y psicológico. Todo con miradas ilusionadas, guiños al juego, ganas de divertirse como parte de la vida.

Denuncia y aviso. Tal vez lo más significativo sea la constatación: a uno y otro lado del escenario (al entrar se nos da a elegir entre dos puertas, que van a parar a uno u otro lado del mismo), somos testigos de los hechos, intensificados con la música, aislados por el movimiento colectivo.

Coro de huérfanos en definitiva es un auténtico coro de cuerpos que cuenta lo que todavía ocurre en algunos orfanatos, pero también lo que todavía esconden algunas formas de orden y disciplinas. La obra está dirigida por Jerzy Zoń que, aguardando en la puerta del teatro TKO, con traje y maletín, posiblemente director del orfanato, no solo nos guiaba hacia el interior, acomodándonos y ubicándonos, sino que iniciaba el juego teatral, preparando así al público a una escucha activa y participativa.

Chorus of Orphans - The KTO theatre / Chór Sierot - Teatr KTO

Smoke and oranges. The show tastes and sounds. You can almost touch, if it were not so creepy sung some things there, that compress and retract the touch and breath. Chorus of Orphans is a performance without words, but with all the movement and noise of life in an orphanage, from the arrival of a group of children to their possible death or their abandonment. We see the relationship between the orphans, between fun and evil; and relations with the two women in charge of discipline and education in it, between sexual abuse and physical and psychological abuse. All with hopeful eyes, nods to the game, wanting to have fun as part of life.

Complaint and notice. Perhaps most significant is the fact: on either side of the stage (to enter is given a choice between two doors, which goes to either side of it), we are witnesses to the events, intensified with the music, isolated by the collective movement.

Chorus of Orphans is definitely a real chorus of bodies consider what still occurs in some orphanages, but also what still hide some order forms and disciplines. The play is directed by Jerzy Zoń, who was waiting at the door of the theater TKO, suit and briefcase, possibly head of the orphanage, which not only leads us inward, settling and placing us, but he begins the theatrical game and preparing the public to listen active and participatory.

Chór Sierot - Chorus of Orphans

Juan Mayorga - Famelica Legión

Podría ser y sin embargo Mayorga nos deja con las ganas de que de verdad pueda darse en el teatro un buen terreno para transformar realidades, para alcanzar ese otro mundo posible. Ingenioso como siempre y gran conocedor de la escena logra entretejer una vez más una trama dialogada que nos mantiene en vilo en los asientos y en la que va dando repaso a varios puntos vitales, pero tal vez el inicio de la obra era aún más prometedor... ¿de verdad no es posible que podamos hacer lo que más queremos con nuestras vidas, en lugar de consagrar horas a ese juego de trabajar para ganar dinero? ¿Cuál es la real realidad?

Famelica - Juan Mayorga

III Congreso de Radioteatro

Este jueves arranca en Marid el Congreso Internacional de Radioteatro y Ficción Sonora, un encuentro de creación y experimentación sonora protagonizado por profesionales, estudiantes de diversos ámbitos y amantes de la ficción sonora interesados en el desarrollo del género de la ficción sonora y la dramatización radiofónica que nació en Zaragoza en 2012 de la mano de la Escuela Creativa de Radio TEA FM.

Consta de conferencias, mesas redondas y talleres prácticos abiertos al público que repasan la historia y la actualización a la radio del siglo XXI y hasta formatos ajenos a la radio de un género que ha atrapado a cientos de millones de oyentes de varias generaciones. También se ofrecerá la oportunidad de asistir a la escenificación de varias obras de radioteatro en vivo.

Esta tercera edición quiere traspasar de nuevo las fronteras físicas y virtuales, desarrollando sus actividades de manera coordinada en España (Madrid, Valencia y Zaragoza), Colombia (Bogotá y Cali) añadiendo a estas sedes, algunas de ellas presentes en anteriores ediciones, importantes plazas creativas de la cultura hispanohablante: Buenos Aires en Argentina y México D.F.

Congreso de Radioteatro

Día Internacional del Teatro 2015

Mensaje del Día Internacional del Teatro - KRZYSZTOF WARLIKOWSKI

Resulta más fácil encontrar maestros para el teatro, lejos del teatro. Por lo general, son aquellos a los que no les interesa el teatro como máquina de reproducción de clichés y convencionalismos. Son ellos quienes encuentran fuentes y vivas corrientes de ríos, que esquivan en su recorrido a las salas de teatro y a la incalculable masa de personas encerrada en ellas cada día, entretenidas con la imitación de cualesquiera mundos. Imitamos, en vez de crear mundos propios, concentrados e, incluso, subordinados, al diálogo con el público y con los afectos, que fluyen escondidos, y que justamente el teatro, mejor que nadie, es capaz de revelar.

La mayoría de las veces, encuentro a estos guías en la prosa. Continua y diariamente, pienso en aquellos escritores que hace alrededor de cien años describieron proféticamente, a pesar de su moderación, el crepúsculo de los dioses europeos, que ha sumido a nuestra civilización en una penumbra aún hoy no iluminada. Me refiero a Franz Kafka, a Thomas Mann y a Marcel Proust. Hoy, me gustaría incluir en este grupo de profetas a John Maxwell Coetzee.

Su presentimiento compartido sobre el inevitable fin del mundo, no en un sentido planetario, sino del modelo de relaciones interhumanas, el orden social y las revueltas, nos acompaña hoy de forma abrumadora. A nosotros, quienes vivimos después del fin del mundo, testigos de los crímenes y los conflictos que incendian cada vez nuevos territorios, antes incluso de que los omnipresentes medios de comunicación lleguen a difundir la noticia. Incendios que, pese a todo, rápidamente aburren y desaparecen de las páginas de los periódicos. Nos sentimos desamparados, aterrorizados y acechados. Ya no somos capaces de construir torres, y los muros que empecinadamente levantamos, no nos protegen del peligro. Bien al contrario, ellos mismos exigen seguridad y cuidado, consumiendo gran parte de nuestra energía vital. Y ya no tenemos fuerzas para intentar contemplar aquello que está más allá de la valla, detrás del muro. Precisamente, en torno a esa realidad, debería existir el teatro, y es en ella en dónde ha de buscar su fuerza. Asomarse allí, dónde la mirada está prohibida.

“La leyenda quiere explicar lo inexplicable. Como nacida de lo profundo de la verdad tiene que volver a lo inexplicable.” Estas palabras, que Kafka atribuye a la metamorfosis de la leyenda de Prometeo, remiten fuertemente a lo que considero debería ser el teatro. Y es este teatro, cuyo origen está en lo profundo de la verdad y cuyo fin se encuentra en lo inexplicable, el que deseo a todos los trabajadores del teatro, tanto a quienes están encima del escenario, como a quienes lo hacen desde el patio de butacas. Lo deseo de todo corazón.

Traducción de Jaroslaw Bielski para la Academia de las Artes Escénicas de España.